Cine, fotografía y música, a menudo las diferentes ramas del arte se superponen, y hay muchos músicos apasionados del cine que tienen esta inquietud constante: “¿cómo grabar un video musical?”
Imagínese esto: usted es un músico principiante que toca en una banda de vez en cuando. También toma fotos de bandas. Un día les pregunta a unos amigos si le permiten grabarlos durante una presentación con la nueva función de video de su D-SLR. Y, de repente, está editando su primer video musical.
Estamos hablando de Chris Hershman, el cineasta, fotógrafo y músico de Chicago. Filma mucho metraje y graba desde todas las perspectivas posibles.
Una vez que está en su casa, Chris pasa 10 horas seguidas editando el metraje. Se asegura de que los efectos visuales se sincronicen con el audio, trabaja en el reflejo de las luces del escenario, corta e intercala material para contar una historia en el tiempo que dura una canción. El resultado del primer intento: un video musical de rock and roll en vivo con mucha energía.
LLEVANDO LA BANDA A LO MÁS ALTO
“Después de ver el metraje, la banda quedó tan entusiasmada que inmediatamente me pidió que fuera el video musical oficial”, comparte Chris. Ese grupo compitió en un concurso y terminó saliendo en la revista Rolling Stone. El video se publicó en Rollingstone.com. “Mi primer video fue directamente a una revista musical de primer nivel”.
Durante los últimos tres años, Chris ha grabado presentaciones en vivo y ha capturado todo lo relacionado con la música con un grupo de cámaras, como la Nikon D4, D300s, D600, D800 y D7100. Chris, que también es músico (toca la batería, el bajo y la guitarra desde la infancia), capta la sensibilidad del artista, que invariablemente influye en su trabajo. Chris se pregunta: ¿Qué le gustaría al artista que se capture? ¿Qué tiene para compartir? “Por ejemplo”, explica, “el instrumento es muy importante, así que realizo un barrido sobre cada uno, y luego paso a mostrar cómo se toca. Capturo cómo los miembros de la banda se comunican entre sí. Las presentaciones en vivo son dinámicas y tienen mucho para ofrecer. Si logro captar esos interesantes momentos espontáneos, sé que cuento con un gran metraje de base para llevar mi video al siguiente nivel. Un excelente video no solo complementa la música sino que suma para el valor total del producto. Puede establecer la energía adecuada y crear un mayor nivel de respeto en el espectador”. 1, 2 Y... PRÁCTICA CON LA BANDA
Para hacer un video musical de primera clase, se debe contar con una banda de primer nivel. Luego, se agregan equipos excelentes. Actualmente, Chris graba sus videos con las cámaras D800 y D7100. “Nikon tiene varias opciones de cámara para la captura de video en HD e incluso más opciones para los lentes. Lo interesante de la selección NIKKOR es que los lentes son totalmente intercambiables y se adaptan a todos los cuerpos de cámara más recientes”.
Chris incorpora una amplia variedad de vidrios en su trabajo y sonríe al admitir un error que cometió en sus comienzos, al tratar de usar demasiados lentes de distancia focal fija. Su error se hizo evidente cuando los lentes recortaban demasiado la línea de visión o no apuntaban correctamente al músico y el instrumento. “Me gusta capturar la escena y no solo al músico. En ese momento, mi solución para resolver el problema fue dar un paso atrás y elegir un lente más amplio”. Chris prefiere una vista que capte el sentido del entorno y que encuadre a los músicos y la forma en que interactúan en el espacio. “Hay que darle al espectador una escena más amplia para explorar y que su vista no se vaya a un solo lugar”.
Chris comparte otro desliz de sus comienzos: configurar lentes de distancia focal fija en aperturas extremadamente amplias para lograr poca profundidad de campo. “Era obvio que el sujeto se movería y saldría de marco o de enfoque”. Consejo: analice sus escenarios más probables de grabación y luego invierta en lentes que cumplan con sus parámetros de marco de mínimo a máximo (de arriba a abajo).
Grabar videos en HD-SLR exige una nueva perspectiva cuando se trata de lentes. La selección puede ser diferente de la que normalmente usaría para capturar imágenes fijas. Chris usa el lente AF-S NIKKOR 70-200mm f/2.8G ED VR II por su buena capacidad para pasar de planos medios a primeros planos. Este lente cuenta con estabilización de imagen mediante VR (Reducción de la Vibración) para ayudar a lograr un aspecto nítido, algo muy importante cuando se graba un metraje obtenido con una plataforma sobre ruedas. “Al ser muy grande para usarla en mano, incorporo este lente en una cámara principal montada en un trípode con cabeza circular. Captura hermosos colores y funciona magníficamente en los tonos de piel de los primeros planos. Además de garantizar un marco nítido, la VR mantiene a mi sujeto sumamente definido y enfocado, y deja todo lo demás sutilmente fuera de foco. Además, otorga una maravillosa profundidad al film”.
Para los disparos de gran angular, Chris usa el lente AF-S NIKKOR 14-24mm f/2.8G ED. “Obtengo un enfoque súper definido; además, satisface todas mis necesidades de gran angular. Me gusta poner este lente encima de un baterista para poder compartir lo que él ve. También lo utilizo para lograr disparos que comienzan en el piso y luego disparar hacia arriba y hacer que el espacio parezca mucho más grande. Esto genera una diversidad de disparos y mantiene el interés del espectador”. Chris agrega: “Además, el ángulo oscuro es excelente para compensar los disparos frontales. Me gusta tener al menos uno o dos de estos disparos en ángulo listos para la producción”. Dado que el sujeto no está en movimiento en estos disparos, Chris puede cortar el metraje cuando otras cámaras no han captado algo interesante.
LA LUZ CORRECTA
Mientras trabaja en el estudio, Chris puede controlar la iluminación con precisión. Para estar a la altura de las circunstancias, incorpora nuevos ángulos de cámara y puntos de vista. Chris usa rieles o pistas para plataformas sobre ruedas para ubicar una cámara fuera del alcance del brazo; considera cuidadosamente dónde caerán las sombras de la plataforma durante una toma panorámica y tiene en cuenta la calidad de la luz en cada extremo de la pista. Sus cambios de plano dirigen la atención al instrumento y la iluminación elegida puede hacer que la batería, la guitarra o el piano se destaquen.
“Debo considerar todos los movimientos posibles que harán los músicos y cómo los harán”. Chris enfatiza: “El más mínimo movimiento puede mantener el interés del espectador por más tiempo, lo que ayuda a esa persona a conectarse en un nivel más profundo. El punto es atraer la atención del espectador hacia algo tan interesante que no puede sacarle los ojos de encima”.
Chris dice que cuando captura una presentación en vivo “usa mucha contraluz intencional para crear siluetas que generan una sensación más misteriosa. También me gusta contraponer la luz y el resplandor, como si se tratara de otro sujeto en movimiento en la escena”. El movimiento sigue siendo un tema en sus trabajos. También juega con la interacción de la cámara. “Si se juega con la iluminación, puede generarse una sensación de movimiento incluso si el sujeto está quieto. El movimiento le suma energía a los videos”. TRABAJANDO CON LA EXPOSICIÓN
Ya sea trabajando en una sala de conciertos oscura o un estudio bien iluminado, Chris sabe que se debe mantener un control preciso de la exposición, ya que las zonas con una mala exposición generan pérdida de la información. Desafortunadamente, un error muy común de los directores de fotografía en HD-SLR es la sobreexposición. Para evitar esto, Chris tiende a elegir el extremo opuesto del espectro de iluminación marcando un punto por debajo en el dial. “Es más fácil aumentar la iluminación y lograr un aspecto más natural en un videoclip un poco más oscuro que reducir la exposición o el brillo en un videoclip sobreexpuesto y luego tratar de hacer que se vea bien”, comparte. “Si se reduce la luz en un video sobreexpuesto, se puede generar demasiado contraste, lo que terminará arruinando un aspecto de alta calidad”.
Como prueba, vea el video de Tall Walker que Chris produjo en el estudio Electrical Audio. El color y la nitidez provienen directamente de la cámara. Durante la posproducción, no se realizó ningún trabajo de corrección de exposición y solo se necesitó una ligera corrección del color en el metraje de una cámara. “Conseguir esa hermosa y amplia gama de color y nitidez desde el comienzo no es algo difícil. Tómese el tiempo para configurar con precisión la exposición y lo que vea será lo que capturará la cámara”, dice sonriendo. “Obtenga lo que desea con la cámara y se ahorrará mucho tiempo”.
NO SE OLVIDE DE CONFIGURAR LO QUE DESEA
El balance de blancos es aliado de la exposición. Chris prefiere usar la escala Kelvin. “La temperatura de color Kelvin oscila entre 2,500k y 10,000k”. Antes de comenzar a grabar, Chris sugiere probar el color que se adapte a la habitación o al lugar y luego configurar todas las cámaras a la misma temperatura para asegurar un aspecto uniforme. No obstante, aconseja no hacer que la configuración de temperatura de color Kelvin sea demasiado caliente, ya que en un comienzo el aspecto es natural y tiende a un aspecto más cálido. “Una temperatura de color más natural contribuye para lograr un aspecto profesional en general, y además ayuda a que su trabajo se perciba como un film más profesional”.
Otra decisión técnica para tomar al inicio del proyecto son los cps (cuadros por segundo). Chris, que se inclina por los aspectos cinematográficos, elige la configuración de 24 cps en todas las cámaras. Riendo, añade: “El peor error que cometí en mis comienzos fue tener varias cámaras configuradas a 24 cps y luego olvidarme de controlar la última cámara, que estaba a 60 cps. El metraje era tan diferente de los otros que terminé quitándolo totalmente en mi edición final. El aspecto era demasiado molesto”.
Cámaras, listas. Lentes, listos. Luces, listas. Micrófonos…
LLAMANDO A LOS EXPERTOS EN AUDIO
“También es mi trabajo asegurarme de que la banda suene bien, eso significa prestar especial atención a la calidad de audio y a la presentación de audio. No hay nada peor que algo hermoso visualmente que suena muy mal. Un mal sonido puede ser algo más molesto que útil”, afirma Chris.
Él sabe mantener el enfoque en los aspectos visuales, así que suele buscar la ayuda de talentos en ingeniería y de estudios externos para grabar las pistas. Su rol es asegurarse de que el talento cuente con los micrófonos correctos dispuestos mediante pequeñas grabadoras de mano con una entrada XLR, que se logre la captura y, por supuesto, estar presente durante la posproducción para asegurar la debida sincronización de audio.
PERSONALIDADES MÚLTIPLES
“Cuando comencé a grabar presentaciones en vivo, éramos solamente mi cámara y yo”, dice Chris. Actualmente, trabaja con un equipo y, a menudo, usa múltiples cámaras (hasta cuatro); todo depende del presupuesto del proyecto. “Cuando trabajo solo, uso el sistema de receptor y el transmisor inalámbrico Nikon WR-R10/T10 para poder operar varias cámaras”. También usa este equipo para iniciar y detener la captura en las cámaras que se colocan en lugares inalcanzables, como las partes más altas de una batería.
Chris Hershman con una Nikon D800 en el estudio. Foto de Tom Quinn.
– Encargarse personalmente de los aspectos básicos
– Revisar todo dos veces (luces, exposición, temperatura, configuraciones)
– Asegurarse de que las múltiples cámaras estén en sincronía
– Prever qué lentes serán necesarios
– Determinar la posición de las cámaras
– Preparar el escenario
“Todo esto se debe hacer antes de que llegue la banda. Entonces, a medida que la banda se ubica, se puede realizar un ajuste fino de todo”, señala.
Tall Walker Performing "Running Fast" (Live) At Electrical Audio from Chris Hershman on Vimeo.
La preparación es la clave para lograr un aspecto más refinado en los films, insiste Chris. “En definitiva, el punto más importante de un buen film es que el espectador nunca se distraiga con las técnicas del cineasta. Si el trabajo está bien hecho, el espectador se conecta con el film y se concentra fácilmente en la banda o el sujeto. Un film bien hecho no se trata de mostrar grandes técnicas de filmación. Se trata de capturar los momentos especiales que surgen delante de la cámara”.
Chris también comparte con nosotros algunos consejos para lograr un trabajo editado final con un aspecto profesional:
– Darle al espectador una experiencia que le permita sentir que está en la habitación.
– Contar con una cámara detrás de escena para capturar “la captura” de la presentación
– Utilizar capturas B-Roll creativas, que muestran objetos que se relacionan con el sujeto. Para el video de Tall Walker , abrimos con máquinas de cinta analógica y equipos de sonido de aspecto antiguo. Esto ayuda a crear un propósito mayor y resume la historia.
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